Dario Argento

Argento est né à Rome le 7 septembre 1940, fils du critique et producteur de cinéma sicilien Salvatore Argento (1914–1987) et de la photographe de mode brésilienne d'origine italienne Elda Luxardo (1915–2013)^,, sœur du photographe Elio Luxardo . Sa mère dirigeait le studio photographique Luxardo, fondé par Alfredo et Margherita, les grands-parents maternels de Dario originaires de Santa Margherita Ligure, dans la province de Gênes, et de Mestre, sur la terraferma veneziana. Dans son autobiographie Paura, Argento se souvient : « Dans les années 1930 et 1940, les célébrités du théâtre et du cinéma, les champions sportifs, les intellectuels, les artistes et les mannequins rivalisaient pour être photographiés avec nous : avoir un portrait réalisé par le studio Luxardo était synonyme d'excellence ».

Sa première expérience du théâtre remonte à l'âge de quatre ans : ses parents l'ont emmené dans un théâtre de Rome où l'on jouait Hamlet. Comme il le raconte dans son livre, lorsque le fantôme du père d'Hamlet est apparu, il a été si effrayé qu'il a commencé à souffrir de convulsions. C'est un facteur clé de son amour ultérieur pour l'horreur et le suspense : « Mes parents, un peu inconscients, ne pouvaient pas imaginer à quel point cette légèreté allait me marquer [...] De nombreuses fascinations sont nées ce jour-là. Personne ne le savait, même moi je n'en étais pas conscient, mais une graine avait été semée ».

Dans son enfance, il a développé un goût pour la lecture, bien qu'il l'ait fait en secret car, selon lui, à cette époque, la lecture était considérée comme « un passe-temps féminin ou quelque chose pour les frimeurs ». Il y avait beaucoup de livres chez lui, mais il s'intéressait surtout aux romans d'aventure. Le premier film d'épouvante qu'il a vu était Le Fantôme de l'Opéra (1943) d'Arthur Lubin, une expérience qui lui a donné « accès à un univers dont personne ne lui avait parlé et dont il ne soupçonnait pas l'existence. Un univers habité par des personnes défigurées, des monstres et des meurtriers vivant des amours impossibles ». Le recueil de nouvelles Histoires extraordinaires de l'écrivain américain Edgar Allan Poe a eu une forte influence sur le style qu'il a adopté plus tard en tant que cinéaste et scénariste.

Après avoir travaillé dans une imprimerie pendant quelques mois, il quitte la maison et le lycée à l'âge de seize ans pour s'installer à Paris. Pendant cette période, il fréquente assidûment la Cinémathèque française où il découvre des films invisibles en Italie, et il vit d'expédients (il est notamment plongeur dans un modeste restaurant de la capitale française). Il revient bientôt à Rome où, grâce à la recommandation de son père, il commence à travailler à dix-sept ans pour le journal L'Araldo dello Spettacolo, un média spécialisé dans le cinéma, la musique et le théâtre. Il y rédige des critiques de films. À peu près à la même époque, il devient rédacteur dans le quotidien régional Paese Sera, pour lequel il produit un bulletin hebdomadaire sur les statistiques de fréquentation et d'autres aspects de l'industrie cinématographique en Italie. Au fil du temps, il commence à acquérir un certain statut au sein du journal, et a même l'occasion d'interviewer des personnalités telles que John Huston, Fritz Lang, Pietro Germi, John Wayne et les Beatles. Dans le but de commencer une carrière de cinéaste, il passe un examen d'entrée au Centro sperimentale di cinematografia de Rome, mais sa candidature est rejetée. Argento reconnaît dans sa biographie que ce rejet a été un mal pour un bien, car ses films « auraient été trop fidèles à un certain formalisme » s'il avait été accepté dans cette institution.

Lorsque son travail au Paese Sera lui laissait du temps libre, Argento écrivait des histoires dans l'espoir de les adapter sur grand écran. Grâce à l'intervention de son père, il a eu l'occasion d'assister à plusieurs séances de travail avec le scénariste Sergio Amidei, qu'il considère comme « un formidable camp d'entraînement ». En 1966, il commence à coécrire des scénarios de films de différents genres, comme Scusi, lei è favorevole o contrario? réalisé par Alberto Sordi, Requiem pour une canaille de Francesco Prosperi, Les héros ne meurent jamais de Maurizio Lucidi, Cinq Gâchettes d'or de Tonino Cervi, L'Enfer avant la mort d'Alfio Caltabiano, L'Enfer de la guerre d'Armando Crispino et La Révolution sexuelle de Riccardo Ghione. Après la sortie de Le Bon, la Brute et le Truand (1966), le cinéaste Sergio Leone, désireux de s'entourer de jeunes cinéphiles, fait appel à lui et à Bernardo Bertolucci pour écrire le scénario de son prochain film. Ils travaillent pendant six mois pour créer l'histoire d'Il était une fois dans l'Ouest, sorti en décembre 1968 et mettant en vedette Charles Bronson et Claudia Cardinale^,.

Après avoir participé à l'écriture des scénarios d'Une corde, un Colt… de Robert Hossein et de Disons, un soir à dîner de Giuseppe Patroni Griffi (tous deux en 1969), il commence à écrire l'histoire de son premier film, L'Oiseau au plumage de cristal, d'après un cauchemar qu'il a fait pendant ses vacances en Tunisie ainsi qu'un roman de Fredric Brown, La Belle et la Bête (The Screaming Mimi). Il a ainsi développé l'intrigue d'un écrivain américain qui est témoin de la tentative de meurtre d'une femme pendant son séjour en Italie et qui décide d'entamer une enquête de son propre chef pour découvrir le meurtrier. Après avoir présenté sans succès le scénario aux dirigeants d'Euro International Film, Argento a demandé l'aide de son père, qui a décidé de créer la société de production anonyme SEDA Spettacoli (pour Salvatore E Dario Argento) pour couvrir une partie des frais de tournage. La société de production Titanus, appartenant à Goffredo Lombardo, a fourni le reste du budget. Le tournage a commencé en août 1969 à Rome et a duré six semaines, avec Tony Musante, Suzy Kendall et Eva Renzi dans les rôles principaux, et avec la participation du monteur Franco Fraticelli, du chef opérateur Vittorio Storaro et du compositeur Ennio Morricone. Dans le même temps naît Fiore, la première fille du réalisateur et de la restauratrice d'art Marisa Casale.

Malgré quelques contretemps pendant le tournage — comme la méfiance de Lombardo envers l'inexpérience d'Argento et les frictions constantes du réalisateur avec Musante — le film sort en février 1970 et reçoit un accueil glacial à Milan et à Turin. Toutefois, grâce au bouche-à-oreille, il a obtenu un plus grand impact dans d'autres villes comme Naples et Florence. Au total, le film enregistre 4,2 millions d'entrées et rapporte 1,4 milliard de lires, ce qui en fait le film au palmarès de la saison 1969-1970. Philippe Paul dans DVDclassik dit du film qu'il « marque une date dans l’histoire du cinéma italien. Inspiré par les films précurseurs de Mario Bava, Dario Argento lance un genre à lui tout seul tout en en définissant le mètre étalon. Esthétique, personnage ou construction scénaristique, tout est inventé dans ce film en atteignant déjà un niveau de qualité presque inégalable ».

Grâce au bon accueil de L'Oiseau aux plumage de cristal aux États-Unis, National General Pictures s'intéresse à la production d'un nouveau film d'Argento, qui commence à travailler sur Le Chat à neuf queues — titre inspiré du roman Griffes de velours (Cat of Many Tails) d'Ellery Queen — avec la collaboration des scénaristes Dardano Sacchetti et Luigi Cozzi ; l'histoire consiste en un aveugle qui commence à enquêter sur une série de meurtres avec l'aide d'une femme journaliste. Salvatore Argento se rend aux États-Unis et choisit les acteurs James Franciscus, Catherine Spaak et Karl Malden pour jouer les rôles principaux. Une fois de plus, Ennio Morricone fournit la musique et Franco Fraticelli se charge du montage. Tourné entre septembre et octobre 1970 à Turin, Berlin et Rome, Le Chat à neuf queues est sorti en Italie le 11 février 1971.

Bien qu'il ait dépassé son prédécesseur en termes de billetterie — avec 6,5 millions d'entrées totalisant 2,4 milliards de lires de recettes, le film est box-office Italie 1970-1971 et reste le plus grand succès du réalisateur à ce jour dans les salles italiennes —, Argento a déclaré dans sa biographie que c'était le film qu'il aimait le moins dans son catalogue : « Peut-être est-ce parce que j'ai essayé de le rendre différent, ou peut-être parce que — bien que j'aie suivi le modèle du film noir français — l'atmosphère du roman policier américain a pris le dessus à un moment donné ». Cependant, le film est remarquable pour être le premier à présenter des techniques de mises en scène qui deviendront sa marque de fabrique, tels que les gros plans des yeux, les appels téléphoniques anonymes et les gants noirs portés par le tueur.

Pour Quatre Mouches de velours gris, son film suivant, il a fait appel aux acteurs américains Michael Brandon et Mimsy Farmer, qu'il a choisis après avoir apprécié leurs prestations dans respectivement Lune de miel aux orties (1970) et More (1969), ainsi qu'à l'italien Bud Spencer (« Carlo Pedersoli » de son vrai nom), au français Jean-Pierre Marielle et à la québécoise Francine Racette. Avec l'aide de Luigi Cozzi et de Mario Foglietti, il écrit le scénario d'un musicien de rock qui assassine accidentellement un homme et se fait ensuite harceler par un témoin du crime. C'est de nouveau Morricone qui se charge de la bande originale. Sorti en décembre 1971 en Italie, le film reçoit des critiques moins enthousiastes que ses deux œuvres précédentes. Dans les salles, il enregistre 5,5 millions d'entrées pour 2,2 milliards de lires de recettes, ce qui le place box-office Italie 1971-1972. Quatre Mouches de velours gris représente la clôture de la « trilogie animalière », nom donné aux trois premiers films d'Argento, tous considérés comme des œuvres importantes dans la popularisation du cinéma giallo au début des années 1970.

Après avoir tourné Quatre Mouches de velours gris, le cinéaste a décidé de prendre des vacances en raison de l'expérience épuisante du tournage de ses premiers films. Dans sa biographie, il déclare qu'il a même envisagé d'abandonner la réalisation : « En moins de deux ans, j'avais réalisé trois films ; d'une part, ma célébrité avait pris des proportions démesurées, d'autre part, ma vie privée avait été pulvérisée. Si être réalisateur signifiait cela, j'étais prêt à arrêter ». Après s'être reposé, il propose en 1972 à la chaîne Rai de réaliser quatre épisodes pour la télévision, inspirés de la série Alfred Hitchcock présente. Il a envoyé les scénarios à la chaîne, mais a dû atténuer la violence de certaines scènes pour qu'elles puissent être diffusées. Dans la série, intitulée La porta sul buio, il a réalisé le deuxième épisode (Il tram) et coréalisé le quatrième avec Luigi Cozzi (Testimone oculare), tout en faisant une courte introduction au début de chaque épisode. Selon le réalisateur, cette expérience à la télévision nationale a encore accru sa popularité en Italie.

Décidant d'abandonner la réalisation pour se consacrer exclusivement au développement de scénarios et à la production de films, il commence à travailler sur une histoire basée sur les Cinq journées de Milan, une révolte organisée par le peuple de la capitale lombarde contre l'occupation autrichienne en 1848. Intitulé Cinq Jours à Milan, le film devait initialement être réalisé par Nanni Loy, mais celui-ci décide d'abandonner le projet assez rapidement. Lorsque ce dernier a renoncé, Ugo Tognazzi — qui jouait initialement le rôle du protagoniste — a posé comme condition à son maintien dans la distribution que le film soit réalisé par Dario Argento. Parmi les interprètes figurent Adriano Celentano (qui remplace finalement Tognazzi) et Enzo Cerusico. La pression de Celentano et les conseils de son père convainquent Argento de revenir derrière la caméra. Tourné principalement en extérieur à Pavie et sorti en décembre 1973 en Italie, le film est présenté par Argento et le scénariste Nanni Balestrini comme un film de critique sociale et politique. Même s'il est visionné par 2,6 millions de spectateurs dans les salles, il reçoit un accueil critique plutôt négatif^,. C'est d'ailleurs le seul film d'Argento à ce jour à s'éloigner de ses thèmes de prédilection que sont le suspense ou l'épouvante. Sur le site Sentieri Selvaggi, Cinq Jours à Milan est estimé être « une œuvre insolite dans la filmographie du réalisateur romain [dans laquelle] il a décidé d'exploiter le filon ottocentesco popolare [film historique sur le .

Après cet échec relatif, il décide de revenir à ses racines et demande au romancier Bernardino Zapponi d'écrire avec lui l'histoire d'un pianiste britannique qui assiste au meurtre d'un médium et enquête sur l'événement avec la collaboration d'un jeune journaliste. Dans un premier temps, il annonce que le film s'appellera Le Tigre aux dents de sabre (La tigre dai denti a sciabola), dans la lignée de sa récente trilogie animalière, mais il décide finalement de l'appeler Les Frissons de l'angoisse (Profondo rosso). Pour le rôle masculin, il avait pensé à Lino Capolicchio, mais en raison d'un accident de voiture, l'acteur italien n'était plus disponible, et c'est donc David Hemmings qui a été choisi pour jouer le pianiste. Pendant ce temps, Daria Nicolodi est auditionnée en 1974 et embauchée pour incarner la journaliste Gianna Brezzi. Elle et Argento développe une liaison pendant l'année 1974 et Daria tombe enceinte d'Asia Argento à la fin du tournage.

Le tournage a eu lieu à Turin, Rome et Pérouse, et a duré seize semaines du 9 septembre 1974 au 19 décembre 1974. Le film est sorti à Milan et à Rome le 7 mars 1975 et fait carton plein dans les salles italiennes, se plaçant box-office Italie 1974-1975 avec 5 720 467 entrées pour des recettes de 3,7 milliards de lires. Plusieurs critiques ont établi un parallèle entre Les Frissons de l'angoisse et Blow-Up (1966) de Michelangelo Antonioni, dont il reprend le thème et la structure. Alors que le film n'a reçu que des critiques mitigées à sa sortie, son succès public durable a conduit plusieurs critiques à réévaluer le film rétrospectivement. Jean-François Rauger écrit en 2004 dans Le Monde qu'il « peut être considéré comme l'un des films phares du cinéma d'épouvante moderne. Son importance apparaît aujourd'hui d'autant plus évidente que le film avait été mal vu lors de sa sortie dans les salles françaises ». Giovanni Grazini a notamment écrit au Il Corriere della Sera : « Si l'ambition extrême de Dario Argento est de rendre aux amateurs de ses spectacles la joie de tressaillir à chaque craquement, de regarder sous le lit et de doubler la dose de tranquillisant, le "terroriste" du cinéma italien peut être heureux. En fait, cela faisait longtemps qu'un film ne nous avait pas pris aux tripes de la sorte et n'avait pas peuplé notre sommeil de cauchemars aussi barbares » Toujours parmi les publications anthologiques, Morando Morandini, à l'époque critique pour le journal Il Giorno, définit Les Frissons de l'angoisse dans son Dizionario dei film de 1999 comme un « giallo de transition entre la première phase parahitchcockienne d'Argento et la phase visionnaire et occultiste de Suspiria, Inferno, etc ». Le cadre scénique et l'hyperbole des objets prend de l'importance. Le réalisateur voulait utiliser la musique de Pink Floyd et de Deep Purple pour la bande-son, mais il a finalement opté pour un jeune groupe de rock progressif italien, Goblin, avec lequel il retravaillera régulièrement tout au long de sa carrière.

Après avoir reçu la médaille d'or du meilleur réalisateur au Festival du film de Sitges en 1976 pour son travail sur Les Frissons de l'angoisse, Argento a imaginé l'histoire de son prochain film après avoir lu le roman Mine-Haha de l'écrivain allemand Frank Wedekind, dans lequel un groupe de jeunes gens subit un entraînement sévère pour se préparer à la vie adulte. Inspiré par le personnage de la méchante reine dans le film Blanche-Neige et les Sept Nains (1937), il eut l'idée d'inclure dans son histoire une sorcière qui dirige secrètement une école de ballerines. Avec sa compagne Daria Nicolodi, il étudia des textes sur l'alchimie et l'ésotérisme du phénomènes paranormaux dans un endroit situé à la frontière entre la Suisse, la France et l'Allemagne, connu sous le nom de « triangle magique ».

Une partie du scénario étant avancée, il s'inspire du livre Suspiria de Profundis de l'auteur britannique Thomas de Quincey, qui décrit trois femmes maléfiques connues sous le nom de « Notre-Dame des Tristesses ». Le livre affirme que, tout comme il y a trois Parques et trois Grâces, il y a aussi trois Tristesses. C'est ainsi qu'est né le concept des « trois mères », un triumvirat de sœurs dotées de pouvoirs surnaturels qui cherchent à répandre le mal dans le monde. Bien qu'il ait créé une légende autour d'elles, il n'avait pas initialement prévu de faire une trilogie racontant l'histoire de chacune d'elles. Dans son livre, il déclare :

« Nous avons commencé à penser à ces femmes nées de l'imagination de De Quincey, et autour de l'idée originale, Daria et moi avons construit une légende [...] les trois mères avaient été trois sœurs diaboliques qui, au sorcellerie : Mater Suspiriorum (l'aînée), Mater Tenebrarum (la plus belle) et Mater Lacrimarum (la cadette et la plus cruelle). Après avoir semé la mort et la destruction, chacune augmentant ce faisant ses propres pouvoirs, elles se sont unies dans le but de trouver trois endroits où elles pourraient demeurer pour toujours et gouverner le monde de là. »

Après avoir terminé l'histoire d'une jeune Américaine qui se rend dans une école de ballerines à Fribourg-en-Brisgau dirigée secrètement par Mater Suspiriorium, il s'installe à Los Angeles pour faire les auditions des acteurs de son nouveau film, qu'il décide d'intituler Suspiria. Pour le personnage principal, il a choisi Jessica Harper après avoir visionné sa prestation dans Phantom of the Paradise de Brian De Palma (1974). Pour le rôle de Madame Blanchet, la vice-rectrice de l'école, il a réussi à convaincre l'actrice expérimentée Joan Bennett. Une femme de quatre-vingt-quatorze ans, Lela Svasta, qu'Argento a trouvée dans un hospice près de Rome, interprète Mater Suspiriorium. Le tournage a lieu sur place à Munich et dans les studios Incir De Paolis à Rome ; la façade et l'intérieur de l'école de danse ont été construits en studio d'après l'architecture de la Haus zum Walfisch à Fribourg, un bâtiment du de Habsbourg et Érasme de Rotterdam.

Suspiria est sorti en Italie en février 1977. Il se place avec 3 681 889 entrées pour des recettes de 1 430 000 000 lires, ce qui est un bon succès mais néanmoins bien en deçà des d'entrées des Frissons de l'angoisse ou des d'entrées du Chat à neuf queues, le plus grand succès d'Argento. En France, par contre, Suspiria reste avec 310 381 entrées le plus grand succès d'Argento. L'accueil critique initial n'a pas été favorable mais avec le temps, il a commencé à être mieux apprécié par les critiques et le public, au point d'être reconnu comme le chef-d'œuvre d'Argento. D'après Olivier Père, « Suspiria demeure l’une des expériences cinématographiques qui s’apparente le plus à un cauchemar, en raison de la rupture volontaire du cinéaste avec la logique narrative et l’agressivité inouïe de ses images, et ressemble davantage à un opéra rock psychédélique qu’à un film d’horreur traditionnel [...] Tout contribue dans Suspiria (le rock progressif des Goblin, les scènes choc sanglantes et stridentes, le technicolor saturé de rouge et de bleu de Luciano Tovoli) à la création d’une œuvre inoubliable, qui générera autour d’elle, au fil du temps, une secte d’adorateurs dans le monde entier ».

Dans son livre, le réalisateur reconnaît : « Étant donné les efforts que j'ai déployés dans [Suspiria], j'étais convaincu qu'il s'agissait de mon chef-d'œuvre, même si je ne pouvais certainement pas imaginer le sort de cette petite histoire de sorcières. Il allait me permettre de parler à beaucoup de gens : un public aussi large que celui que j'avais toujours espéré atteindre ». Accablé par les heures de tournage et l'éloignement de ses deux filles Fiore et Asia, le cinéaste a avoué que, lors d'un séjour dans un hôtel de la Villa Borghèse, il a envisagé de se jeter par la fenêtre de sa chambre pour mettre fin à ses jours. Cependant, le succès international du film et sa réconciliation ultérieure avec Nicolodi, avec laquelle il avait eu des problèmes personnels pendant la phase de production, l'ont aidé à surmonter cette crise.

Lors d'un de ses voyages aux États-Unis, le producteur Richard P. Rubinstein lui présente George A. Romero, connu pour avoir popularisé les films de zombies avec La Nuit des morts-vivants (1968)^,. Dans l'idée de faire une suite à ce film, Romero écrit l'histoire d'un groupe de personnes qui se réfugient dans un centre commercial de Philadelphie pour échapper à l'attaque d'une horde de morts-vivants. Argento était chargé de la production et de la distribution du film en Europe, et a de nouveau fait appel aux Goblin pour composer la bande originale. Connu aux États-Unis sous le nom de Dawn of the Dead, il s'intitule en Europe Zombi ou Zombie et sort en 1978, avec certaines scènes de dialogue supprimées par Argento pour donner plus d'importance à l'action et à l'épouvante. Michael Kennedy, du site Screen Rant, estime que la version italienne est la meilleure « en termes d'épouvante pure », car elle « renonce à beaucoup des aspects les plus comiques et satiriques ». La même année, il distribue Martin de Romero (sous le titre Wampyr) sur le marché européen, et demande à nouveau au groupe Goblin d'en composer la bande originale.

Afin de développer le scénario d'Inferno, le deuxième volet de la trilogie des trois mères, il s'installe dans un hôtel new-yorkais avec vue sur Central Park. L'observation d'un des étangs du parc lui a inspiré l'une des scènes les plus populaires du film : le meurtre d'un antiquaire par une colonie de rats sur les bords d'un collecteur d'eau de pluie. Centré sur le personnage de Mater Tenebrarum, Inferno a été tourné à Rome et à New York, avec le chef opérateur Mario Bava pour les effets spéciaux et le musicien de rock progressif Keith Emerson pour la bande originale. Souffrant d'une hépatite, Argento a dû déléguer une grande partie de la production à Bava et à son fils Lamberto, qui était jusque-là assistant-réalisateur. Avec Irene Miracle, Eleonora Giorgi, Leigh McCloskey et Veronica Lazăr, le film est sorti sur les écrans en février 1980, se place , mais ne parvient pas à reproduire l'impact de Suspiria et reçoit des critiques mitigées. Morando Morandini écrit que « Comme dans Suspiria, la dimension fantastique permet à Argento de se passer de la logique. La boucherie est la même et le bric-à-brac gothique fonctionne à l'excès ». Olivier Père estime que « Argento procède par rimes visuelles, fétichistes et musicales (rock progressif de Keith Emerson, le Nabucco de Verdi) pour faire avancer un film construit comme un jeu de l'oie, où se télescopent plusieurs lieux et destinées funestes », tandis que pour Jean-Baptiste Thoret, il s'agit de l'œuvre d'Argento la plus hermétique : « si vous comprenez Inferno, vous comprenez toute l'œuvre d'Argento », un constat que confirme Franck Suzanne dans DVDclassik, ce film « ne doit en aucun cas servir de porte d’entrée dans sa filmographie ».

« Je trouve toujours très difficile d'essayer d'expliquer ce dont parlent mes films — je laisse cela aux autres, j'espère toujours que les images parlent pour moi — mais dans le cas d'Inferno, c'est encore plus vrai. C'est comme s'il s'agissait d'une série d'événements glissant les uns dans les autres : au cours du récit, les personnages prennent une direction, et soudain le spectateur se rend compte que celui qu'il pensait être le protagoniste est en fait un personnage secondaire, et l'histoire change de forme sous ses yeux. »

L'inspiration pour Ténèbres, son film suivant, lui est venue après avoir été harcelé au téléphone, lors d'un de ses séjours à Los Angeles, par un admirateur qui se faisait appeler « le grand punisseur » et qui connaissait de nombreux détails de sa filmographie. Il a imaginé l'histoire de Peter Neal, un auteur américain de romans policiers qui vient à Rome pour promouvoir son dernier livre, et qui commence à être harcelé par un idôlatre déséquilibré. Il confie les rôles principaux à Anthony Franciosa, John Saxon et Giuliano Gemma, et inclut à nouveau Daria Nicolodi dans la distribution. Le tournage a commencé en mai 1982 à Rome, et le film est sorti en octobre de la même année avec des résultats modérés au box-office et un accueil critique généralement positif.

Argento a avoué avoir voulu opérer une surenchère de violence dans Ténèbres en réponse à certains commentaires négatifs qu'il avait reçus pour ses projets précédents : « Avec mon nouveau film, je voulais prendre une petite revanche sur tous ces critiques qui m'ont accusé de raconter des histoires immorales et misogynes, d'être un monstre juste pour avoir porté toute cette violence à l'écran. Ce n'est pas une coïncidence si Ténèbres était le film avec le plus grand nombre de meurtres que j'avais réalisé ». Cette violence a entraîné la censure de nombreux passages et son interdiction dans certains pays. Le film a eu un succès confortable dans les salles italiennes, se classant Società italiana degli autori ed editori (SIAE).

Lorsque la maison de production Seda Spettacoli est dissoute en raison des problèmes de santé croissants de son père, Dario décide de créer DAC Film, sa propre société de production. Il a eu l'inspiration pour Phenomena, son film suivant, après avoir appris qu'un meurtrier avait été découvert aux États-Unis grâce aux insectes présents dans la chambre au moment du crime. Il a fait des recherches sur les travaux de l'auteur Marcel Leclercq sur l'entomologie médico-légale et s'est installé dans un hôtel afin de développer le scénario, pour lequel il avait en tête un protagoniste féminin. Il a contacté Franco Ferrini, qui avait travaillé comme scénariste pour Sergio Leone, et tous deux ont créé l'histoire d'une jeune femme qui a le pouvoir de communiquer avec les insectes et qui se retrouve impliquée dans une étrange série de meurtres pendant son séjour dans une école en Suisse. Le réalisateur a déclaré dans son livre que c'était l'une des périodes les plus créatives de sa carrière :

« C'était une chose étonnante. Quelques années plus tôt, dans les chambres de ce même hôtel, j'avais brièvement caressé l'idée folle de me suicider. Et maintenant, alors que les papiers dactylographiés s'empilaient les uns après les autres sur mon bureau, je sentais une créativité dans mes veines qui n'avait jamais été aussi impétueuse [...] Plusieurs forces de la nature se sont combinées dans l'intrigue de mon nouveau film, décrit par certains comme le plus "écologique" de ma carrière. Mais la force la plus puissante de toutes - il aurait été stupide et ingrat de la nier - était la volonté de vivre. »

Le tournage, qui s'est déroulé à Rome et dans certains lieux suisses, a été marqué par des problèmes techniques liés au déplacement et à la disposition des milliers de mouches utilisées dans certaines scènes. À cette occasion, Argento a décidé d'inclure des chansons d'artistes tels que Bill Wyman, Claudio Simonetti, Sex Gang Children et Iron Maiden, au lieu de faire appel à un seul musicien pour composer la bande originale. Avec Jennifer Connelly, Donald Pleasence, Dalila Di Lazzaro, Davide Marotta  et Daria Nicolodi, le film est sorti en janvier 1985 en Italie. Il se place . En France, Phenomena sort en juin 1985 et enregistre 160 530 entrées. D'après l'auteur Troy Howarth, Phenomena est devenu le dernier film du réalisateur italien à bénéficier d'une sortie en salle à grande échelle aux États-Unis. L'accueil critique à sa sortie a été globalement positif. Avec le recul, le film va néanmoins faire sécession parmi les aficionados, et pour certains amorcer la lente déliquescence artistique de son réalisateur^,. Daria Nicolodi a désavoué le film, le qualifiant de « réactionnaire » en raison de sa représentation des personnes handicapées, et a déclaré lors d'une interview qu'elle ne travaillerait plus avec Argento, ce que les faits ont ensuite démenti.

En 1985 sort un documentaire signé Michele Soavi et intitulé Le Monde de l'horreur sur Dario Argento. Le réalisateur commente des extraits de ses films et développe ce qui l'a mené dans sa vie à s'intéresser au genre de l'horreur et de sa relation aux images. D'autres membres de l'équipe qui ont travaillé sur ces films livrent également leurs impressions. Plusieurs scènes coupées, comme le double meurtre du début de Suspiria qui avait été supprimé au montage du film, sont présentées en exclusivité. La même année, il collabore avec Lamberto Bava, le fils de Mario, sur le scénario du film Démons, réalisé par Bava et produit par Argento par le biais de sa société DAC Film, et un an plus tard, il joue les mêmes rôles dans la suite Démons 2. Toujours en 1986, il reçoit une invitation du théâtre Sferisterio de Macerata pour mettre en scène l'opéra Rigoletto de Giuseppe Verdi, bien que la direction artistique décide finalement de ne pas faire appel à ses services. Cette expérience a servi de base à l'histoire de Terreur à l'opéra, dans laquelle une chanteuse est contrainte d'assister à une série de crimes lors de sa participation à la pièce Macbeth. Pendant le tournage, une série de complications sont survenues, comme ses altercations constantes avec l'actrice espagnole Cristina Marsillach qui interprète la protagoniste, des accidents de tournage, la détérioration de sa relation avec Nicolodi et les problèmes de santé de son père Salvatore. Il décrit ce tournage comme « le film le plus épuisant et le plus sombre » qu'il ait réalisé. Sorti en décembre 1987, Terreur à l'opéra a réussi à séduire la critique et surtout le public, atteignant la et rapportant 7 207 592 000 lires de l'époque.

En 1987, il collabore à nouveau avec la chaîne Rai, en tant que producteur de la série de courts métrages Gli incubi di Dario Argento, présentée dans le programme hebdomadaire intitulé Giallo avec Enzo Tortora et Alba Parietti comme animateurs. Argento a déclaré que « c'était très amusant » de revenir au format télévisuel, mais a reconnu que, comme il s'agissait d'une émission diffusée à une heure de grande écoute, il a reçu des lettres de protestation de la part de certains téléspectateurs qui considéraient le contenu de son œuvre comme excessivement violent. À la même époque, il a fondé avec son collaborateur et ami Luigi Cozzi la librairie et le magasin de curiosités Profondo Rosso sur la Via dei Gracchi dans le rione du Prati au centre-ville de Rome, où il expose également un musée personnel avec des objets liés aux films d'horreur qu'il a collectés tout au long de sa carrière.

En 1989, il coproduit et coécrit Sanctuaire, un film réalisé par Michele Soavi avec Tomas Arana, Barbara Cupisti et sa fille Asia. Intéressé par l'adaptation au cinéma d'une l'œuvre littéraire d'Edgar Allan Poe, il reprend contact avec George A. Romero pour lui proposer la production d'un film divisé en quatre segments. Dans un premier temps, John Carpenter et Stephen King se sont montrés intéressés par le projet, mais ils ont rapidement démissionné pour se consacrer à d'autres travaux. Argento et Romero ont décidé d'adapter respectivement les nouvelles Le Chat noir et La Vérité sur le cas de M. Valdemar. Sur la recommandation du réalisateur américain, le tournage de Deux Yeux maléfiques a lieu durant l'été 1989 à Pittsburgh en Pennsylvanie (États-Unis), ce qui en fait le premier film d'Argento tourné hors d'Europe.

Avec Harvey Keitel, Madeleine Potter et Martin Balsam, le segment réalisé par Argento a généralement été mieux accueilli par la critique. En 1991, il coécrit et produit La Secte, une nouvelle collaboration avec Michele Soavi mettant en vedette Kelly Curtis, Mariangela Giordano et Herbert Lom.

Il décide de rester quelques mois aux États-Unis, où il a l'occasion de rencontrer personnellement d'autres cinéastes tels que William Friedkin, Tobe Hooper, Sam Raimi, Stuart Gordon et John Landis ; ce dernier l'invite à jouer un petit rôle d'ambulancier dans son film Innocent Blood (1992) avec Anne Parillaud. Dans son livre, il révèle qu'à un moment donné, il a envisagé de déménager en Amérique du Nord : « À New York, mais surtout à Los Angeles, je me sentais très bien. Il y avait un climat de collaboration constante : ce n'était pas comme en Italie, où les réalisateurs ne se rencontrent jamais, et quand ils le font, ils se parlent à peine ». Lors d'une visite à Salem, dans le Massachusetts, il a commencé à écrire l'histoire d'une jeune femme nommée Aura qui subit une série de mésaventures en raison de son anorexie. Il a ensuite contacté l'écrivain T. E. D. Klein pour qu'il fasse de son histoire le scénario de Trauma, son nouveau long métrage.

Pendant le tournage, qui s'est déroulé principalement à Minneapolis dans le Minnesota entre août et septembre 1992, Argento a décidé de remplir les pièces de fumée pour « donner un effet de profondeur aux espaces », ce qui a entraîné chez lui des problèmes de sensibilité au goût et à l'odorat, qu'il dit n'avoir réussi à surmonter que près de vingt ans plus tard. Il a écrit l'histoire de la protagonise Aura dans l'idée que sa fille Asia l'incarnerait. C'est en effet la première collaboration entre Asia, qui avait déjà entamé sa carrière chez d'autres réalisateurs comme Cristina Comencini, Nanni Moretti ou Michele Placido, et son père. Le reste de la distribution a été confié à des Américains : Christopher Rydell, Piper Laurie et Frederic Forrest. Bien qu'il ait voulu de nouveau travailler avec les compositions du groupe Goblin, les sociétés de production américaines lui ont recommandé d'embaucher Pino Donaggio, qui avait collaboré à plusieurs reprises avec Brian De Palma.

L'accueil critique du film est plutôt tiède. Le magazine américain Time Out écrit que « Le premier film d'Argento soutenu par les États-Unis rend hommage à Psychose, mais il lui manque le talent d'Hitchcock pour diriger les acteurs : il n'y a pas une seule interprétation qui soit à peu près potable ». Pendant ce temps, Tiziano Sossi de Mymovies.it a déclaré que le scénario « contient des éléments psychologiques et réalistes très efficaces » et a qualifié certains mouvements de caméra de « magistraux ».

Lors de son séjour à New York, Argento a découvert un livre de la psychiatre italienne Graziella Magherini intitulé La sindrome di Stendhal, sur la maladie psychosomatique du même nom qui provoque un déséquilibre chez l'individu lorsqu'il est exposé à une profusion d'œuvres d'art en un même lieu dans un même temps. Cette lecture lui a rappelé une expérience qu'il a vécue adolescent, lorsqu'il a subi une décompensation la première fois qu'il a vu le Parthénon, et il a donc décidé de baser l'histoire de son nouveau film sur cette expérience. Alors qu'il avait initialement l'intention de commencer le tournage aux États-Unis, il n'y a pas trouvé de ville avec un monument « suffisamment représentatif » pour développer son histoire, et a donc décidé de tourner en Italie. Après avoir travaillé dix ans outre-Atlantique, le cinéaste revient donc dans son pays natal. Il pensait initialement à Bridget Fonda pour interpréter le personnage principal de l'officier de police Anna Manni, mais étant donné le changement de lieu, il a proposé le rôle à sa fille Asia.

Avec une bande originale composée par Ennio Morricone, Le Syndrome de Stendhal est sorti en janvier 1996 et a reçu un accueil critique globalement positif. L'auteur Maitland McDonagh remarque que, bien qu'il ne soit pas au niveau d'œuvres telles que Ténèbres ou Inferno, le film est « un incontournable pour les aficionados d'Argento, porté par une prestation courageuse et dérangeante de sa fille ». Aurélien Férenczi dans Télérama estime que « Dario Argento atteint ici des sommets de délire formel : une porte s'ouvre, c'est un flash-back qui commence, peintures et murs semblent poreux, invitation à des raptus où l'art et le sexe sont mêlés ». Antoine Rigaud écrit quant à lui en 2008 dans Devildead que le film s'impose comme l'un des derniers grands films en date de Dario Argento.

Après avoir joué un petit rôle dans le film Il cielo è sempre più blu d'Antonello Grimaldi en 1996, il a coécrit et produit Le Masque de cire, le premier film de Sergio Stivaletti d'après le récit Le Cœur cambriolé de l'écrivain français Gaston Leroux. Le projet devait initialement être réalisé par Lucio Fulci, mais le cinéaste est décédé peu avant le début du tournage. Argento a confié qu'il s'est beaucoup investi dans cette initiative car il était passionné par l'œuvre de Leroux depuis son enfance, et il a déclaré que c'est à cette époque qu'il avait décidé de réaliser sa propre adaptation du Fantôme de l'Opéra, l'un des romans les plus célèbres de Leroux. Pour élaborer le scénario, il a rencontré Gérard Brach — connu pour son travail avec Roman Polanski — et a confié le rôle du fantôme à l'acteur britannique Julian Sands et celui de Christine Daaé à sa fille Asia.

« J'ai choisi Julian Sands pour le rôle du fantôme. Je ne voulais pas faire le portrait d'une créature difforme, mais d'un homme fascinant, grand connaisseur de musique : un séducteur, quelqu'un dont mon héroïne pourrait vraiment tomber amoureuse. »

— Argento sur le protagoniste de son film Le Fantôme de l'Opéra (1998)

Sorti en novembre 1998, Le Fantôme de l'Opéra reçoit un mauvais accueil critique. Aurélien Férenczi dans Télérama parle d'« un nanar quasiment irregardable » où les interprétations sont grotesques : « Julian Sands est coiffé comme Panoramix le druide et Asia Argento n’en finit pas de vocaliser en play-back l'air des clochettes de Lakmé, de Léo Delibes ». D'après le Lexikon des internationalen Films, « ceux qui s'attendent à un film d'horreur à suspense seront déçus - du point de vue artistique, la voie difficile que le film emprunte en termes de mise en scène, et qui laisse encore de la place à des scènes de violence outrancières, est tout à fait remarquable ». La Cinémathèque française qui lui a consacré une rétrospective en 2022 estime que c'est cependant « le film qui apporte au cinéaste la reconnaissance d'une critique plus classique, en dehors des sentiers battus du bis ».

Au début du nouveau millénaire, le réalisateur a fondé avec son frère Claudio la société Opera Film, qui servira à produire Scarlet Diva (le premier long-métrage réalisé par Asia) et certains de ses projets futurs. Face au mauvais accueil du Fantôme de l'Opéra, il décide de revenir à ses racines et de refaire un giallo à Turin, où il avait déjà tourné de nombreuses scènes des Frissons de l'angoisse et du Chat à neuf queues. Il retrouve son collaborateur habituel Franco Ferrini et le scénariste Carlo Lucarelli pour créer l'histoire d'un détective qui doit suivre les indices d'un criminel tout en étant atteint de la maladie d'Alzheimer. Pour ce rôle, il a fait appel à l'acteur émérite suédois Max von Sydow qui, dit-il, « l'a aidé à donner une profondeur psychologique au personnage », tandis que la composition de la bande originale a été confiée une fois de plus au groupe Goblin.

Intitulé Le Sang des innocents, le film est sorti dans les cinémas italiens en janvier 2001 et, bien qu'il ait bénéficié d'un accueil critique plus enthousiaste que pour son film précédent, il a divisé la critique. Il y avait ceux qui appréciaient la façon dont le réalisateur avait réussi à proposer à nouveau ses thèmes classiques, en les utilisant habilement et de manière à effrayer le spectateur, et ceux, en revanche, qui voyaient alterner des moments d'un haut niveau stylistique avec d'autres beaucoup plus embarrassants. La billetterie du film est un succès, rapportant 5 019 734 000 lires (2 592 476 euros) et se classant .

En écrivant le scénario de Card Player (Il cartaio), il s'est souvenu de son expérience dans les casinos, et des souvenirs qu'il avait de nombreux jeunes passant des heures à s'entraîner au poker sur la Toile. Il a donc imaginé avec Franco Ferrini l'histoire d'un tueur qui enlève ses victimes et organise une partie de poker virtuelle avec la police pour décider s'il doit les laisser en vie ou les exécuter devant les caméras. Il a écrit le personnage féminin en pensant à sa fille Asia, mais l'actrice était occupée à réaliser son deuxième long-métrage, Le Livre de Jérémie. Il a fini par confier à l'Italienne Stefania Rocca le rôle d'Anna Mari et à l'Irlandais Liam Cunningham celui de John Brennan pour interpréter les deux protagonistes.

Après sa sortie en janvier 2004, Card Player n'a pas non plus convaincu les critiques en France ou aux États-Unis, mais a reçu un accueil plus positif en Italie, ce qui l'a surpris : « De manière quelque peu inattendue pour moi, Card Player a été plébiscité par la critique en Italie. À l'exception de quelques noms qui ont toujours défendu mon travail (comme Stefano Della Casa), c'était vraiment une nouveauté ». Pour Guillemette Olivier-Odicino dans Télérama, « Fallait-il qu'il soit désargenté Argento, pour commettre ce polar qui réussit à être à la fois putassier et totalement plat. Pour être dans le vent, le réalisateur des Frissons de l'angoisse s'est mis au high-tech ». Pour Benedict Arellano de Tortillapolis : « alternant travaux pour la télévision et pour le cinéma, Dario Argento transforme petit à petit sa filmographie en repaire à séries Z ». Pour Jean-Baptiste Herment d'Écran large, « Argento refuse le gore et les élans baroques qui ont fait sa gloire, chose que beaucoup ne lui pardonnent pas : certains critiques ont comparé son film de façon injuste à Derrick et Navarro ! [...] Si l'on est d'accord pour dire qu'Argento se cherche depuis quelques films, on y trouve toujours quelques furtifs éclairs de génie qui le placent toujours au-dessus de n'importe quel faiseur lambda. Son dernier opus n'échappe pas à la règle ». En Italie, le film a rapporté environ 2,713 millions d'euros, ce qui s'est avéré être un résultat médiocre compte tenu de son budget de départ d'environ 2 millions d'euros.

En 2005, il a de nouveau adopté le format télévisuel avec Vous aimez Hitchcock ?, un téléfilm dans lequel il présentait l'histoire d'un jeune étudiant en cinéma obsédé par l'œuvre d'Alfred Hitchcock qui se lance seul dans une enquête sur un meurtre. Avec Elio Germano et Chiara Conti, le film a généralement impressionné les critiques : Steve Biodrowski du magazine américain Cinefantastique l'a qualifié de « giallo sans ambition mais divertissant » dans lequel « Dario Argento prouve qu'il peut encore enthousiasmer le public », et la Cinémathèque française juge que le film est une « manière de réponse au cinéma de De Palma, variation sur deux chefs-d'œuvre du vénéré Hitchcock, L'Inconnu du Nord-Express et Fenêtre sur cour : Argento triture le thème du voyeurisme dans un film-jeu porté par la musique de Pino Donaggio ». Pour Matteo Mancini du site latelanera, « il s'agit d'une œuvre magnifiquement réalisée qui se distingue parmi les meilleurs téléfilms réalisés ces dernières années, à tel point qu'elle ressemble presque à un produit cinématographique ». Olivier Père est moins amène pour toutes les réalisations d'Argento de cette période, dont celui-ci : « Le long et irréversible déclin artistique d’Argento se poursuit avec Card Player, Vous aimez Hitchcock ?, La Troisième Mère et Giallo qui ressemblent à de mauvais téléfilms (Vous aimez Hitchcock ? fut d’ailleurs réalisé pour la télévision), laids, incohérents et ennuyeux et finissent directement dans les bacs des soldeurs de DVD ».

La même année, il reçoit une invitation de John Carpenter à participer à un projet de télévision conçu par le cinéaste américain Mick Garris pour la chaîne Showtime, dans lequel plusieurs réalisateurs tels que Tobe Hooper, John Landis, Joe Dante et Takashi Miike réaliseraient des moyens métrages d'horreur. Pour la série, intitulée Les Maîtres de l'horreur, Argento a écrit et réalisé le segment Jenifer, adapté d'une bande dessinée de Bruce Jones publiée dans le magazine Creepy dans les années 1970. Pour la deuxième saison de la série, diffusée entre 2006 et 2007, il a réalisé l'épisode J'aurai leur peau, inspiré d'une histoire de Francis Paul Wilson. Argento a remarqué que, grâce à la flexibilité des producteurs de la série, il a pu laisser libre cours à sa créativité sans se soucier de la censure :

« C'était étrange de se retrouver sans limites : par le passé, j'avais été si profondément conditionné par le spectre castrateur de la censure que je m'étais inhibé dans mon écriture. Mais ici, comme je l'ai dit, c'était différent. C'était une expérience libératrice : je me sentais comme un cheval qui a été en captivité pendant des années et qui, face à une barrière ouverte, se fait soudainement taper sur la cuisse pour l'encourager à courir. »

Argento décide d'achever la trilogie des trois mères pour son long métrage suivant, inspiré par la liberté de création dont il avait bénéficié dans son projet précédent. Pour écrire le scénario, il s'est inspiré d'une expérience personnelle, lorsqu'il a reçu un appel téléphonique dans lequel il pensait avoir entendu la voix de son père décédé. Cela l'a conduit à envisager l'idée d'un lien entre la protagoniste de l'histoire et sa mère décédée, une puissante sorcière blanche qui, dans le passé, avait affronté Mater Suspiriorium et qui, dans le présent, communique avec sa fille pour l'aider à combattre Mater Lacrimarum. Pour le rôle principal, il s'est à nouveau appuyé sur sa fille Asia, qui lui a recommandé de faire appel à Daria Nicolodi pour jouer le rôle de la figure fantomatique de sa mère.

Le tournage de La Troisième Mère a eu lieu à Rome et à Turin d'octobre à décembre 2006. Fasano témoigne « Dario m'a immédiatement stimulé lors de la préparation à l'analyse des œuvres du peintre néerlandais Jérôme Bosch (1450-1516). Cet artiste a toujours fasciné non seulement les critiques d'art mais aussi le grand public. Les centaines de personnages qui affluent dans chacun de ses tableaux — diables, hiboux, singes, souris monstrueuses et poissons fantastiques, aux côtés des grands personnages de l'histoire sacrée auxquels sont consacrés ses principaux tableaux — font de lui un surréaliste ante litteram ou un Salvador Dalí né à l'aube de l'ère moderne. La pénombre et les couleurs intenses des toiles de Bosch ont été une référence précise pendant le tournage. En outre, après plusieurs réunions avec Dario, nous avons convenu que le film devait avoir une continuité d'atmosphère et de couleurs avec les deux autres films de la trilogie. Avec La Troisième Mère, nous devions faire un film très différent des deux autres, notamment d'un point de vue technique. [...] Suspiria et Inferno ont été entièrement réalisés en studio, tandis que La Troisième Mère, au contraire, a été tourné à 90 % en extérieur ». Un an plus tard, le film a été présenté au Festival international du film de Rome, avant sa sortie en salles en octobre 2007, où il a reçu un accueil globalement négatif, avec de nombreuses critiques qui dénoncent un glissement vers la série Z. Le film n'a pas rencontré le succès public qu'il espérait et a rapporté un total de 2 077 000 . Pour Pino Farinotti , « Argento clôt la trilogie commencée avec Suspiria et Inferno presque trente ans après les chapitres précédents : une conclusion décevante ». R. Ronconi dans Liberazione constate que « Les éléments que les amateurs d'épouvante adorent sont tous ou presque tous là, soulignés par la musique (qui est aussi prévisible, dans le meilleur sens du terme. Signée Simonetti) ». Pour Paolo Mereghetti dans le Corriere della Sera, pourtant, « L'histoire, ouvertement fantastique [...] demande au spectateur de suspendre sa crédibilité pour se laisser aller à la fascination (et au plaisir) des rebondissements plus ou moins sanglants. Cependant, cette opération peine à décoller pour deux raisons essentielles : le niveau d'imagination insuffisant des scènes et le mépris total pour tout jeu d'acteur professionnel. Ainsi que pour le faible niveau de gore, qui s'arrête aux estafilades et aux énucléations "habituelles" ». Pour la Cinémathèque française, le film est « à voir pour le magnifique plan-séquence dans l'escalier, et les divers clins d'œil que le cinéaste s'adresse à lui-même ».

En novembre 2007, il reçoit un scénario écrit par les Américains Jim Agnew et Sean Keller sur un tueur qui parcourt la ville de Turin en se faisant passer pour un chauffeur de taxi à la recherche de victimes féminines. Argento décide de réaliser le film sans avoir été impliqué dans le processus d'écriture : « Ils sont venus me voir et m'ont dit que le scénario avait été conçu pour moi, dans la mesure où l'histoire se déroulait en Italie ». Le film, intitulé Giallo et présenté en juin 2009 au Festival international du film d'Édimbourg, met en vedette l'Américain Adrien Brody, l'Espagnole Elsa Pataky et la Française Emmanuelle Seigner dans les rôles principaux.

Après la sortie européenne, Brody a poursuivi les producteurs pour sous-paiement de ses honoraires, ce qui a empêché la distribution du DVD aux États-Unis jusqu'en 2011. Le réalisateur a confirmé qu'il avait eu une relation cordiale avec Brody pendant le tournage, et que pour cette raison, il avait décidé de ne pas accompagner la promotion du film par solidarité. Dans l'ensemble, Giallo est éreinté par les critiques. Le site Écran large écrit « Même en décrivant une à une les innombrables aberrations contenues dans ce qu’il est difficile de nommer scénario (pas d’enchaînement dramatique, aucun rebondissement, et une étrange absence de fin), il est impossible de décrire l’ampleur du massacre. Giallo surpasse aisément en nullité tous les nanars précédemment réalisés par Argento, faisant de la réplique foireuse un sacerdoce et du plan improbable un leitmotiv », tandis que pour DevilDead, « Rire devant Giallo est d'ailleurs la meilleure attitude à adopter face un spectacle opportuniste et trompeur. L'ambiance polar à l'européenne n'est qu'une grossière façade puisque Giallo n'est qu'un thriller américain de deuxième partie de soirée. La douche sera d'autant plus froide pour les spectateurs fans du travail d'Argento ». Pour Ondacinema, « Giallo est un paquet bien emballé pour le marché de la vidéo et nous répétons qu'il est, après tout, bien mieux qu'il ne soit pas sorti en salles. Même le spectateur le plus affectueux, nous en sommes sûrs, aura du mal à l'accepter comme un film de Dario Argento ».

En 2010, il a eu l'occasion d'assister au tournage du film Hugo Cabret de Martin Scorsese, une expérience qui l'a amené à envisager l'idée de réaliser son prochain film en 3D. Il s'inspire également du long métrage d'Alfred Hitchcock Le crime était presque parfait (1954), qui est projeté dans ce format dans certains cinémas, et dont le réalisme de certaines scènes lui inspire quelque chose de semblable. Il rencontre Antonio Tentori, Stefano Piani et Enrique Cerezo pour commencer à développer une nouvelle histoire avec le personnage de Dracula comme personnage principal, mais sans être totalement fidèle au roman de Bram Stoker. Il a choisi l'acteur allemand Thomas Kretschmann pour le rôle du comte, l'acteur néerlandais Rutger Hauer pour Abraham Van Helsing, l'actrice italienne Marta Gastini pour le rôle de Mina Harker et sa fille Asia pour le rôle de Lucy Westenra. Le tournage a eu lieu à Turin et dans la ville de Biella, où les scènes dans la forêt ont été filmées.

Dracula 3D a été présenté en avant-première au Festival de Cannes 2012, la première fois que l'événement accueillait un film du réalisateur italien. Il sort dans environ 200 salles italiennes en novembre 2012. La somme des recettes totales italiennes et espagnoles est proche de 500 000 , pour un budget de 7 millions d'euros, dont 300 000 fiasco commercial. La critique est également peu amène : pour Cécile Mury de Télérama, « [...] Dans un décor en toc, c'est bien un Dario Argento en toute petite forme qui dirige — à peine — quelques gugusses raides comme la mort (dont Asia, la fille du maître), coincés entre second degré (quand Dracula, par exemple, se transforme en mante religieuse géante) et série Z », tandis que pour Olivier Père, « Perdu dans une dimension parallèle, ce film fauché et hideux surgit d’une autre époque, la fin des années 60 et le début des années 70 où les films de vampires de série Z fleurissaient en Italie et en Espagne. Dario Argento que l’on a parfois comparé à Antonioni à ses débuts a réalisé avec Dracula 3D une aberration anachronique qui, avec ses starlettes aux poitrines généreusement dénudées, ses longues scènes où il ne se passe rien, ses trucages miteux, ses acteurs égarés ressemble à s’y méprendre à un film de Paul Naschy ». Seul Jean-Baptiste Thoret dans Charlie Hebdo donne au film la note moyenne : « Dracula possède un charme indéniable, une modestie sereine ».

En octobre 2013, le Teatro Coccia  de Novare lui a commandé la mise en scène de la pièce Macbeth à l'occasion du bicentenaire de la naissance de Giuseppe Verdi. Argento a choisi de situer l'histoire dans le contexte de la Première Guerre mondiale et, fidèle à son style, a utilisé des effets spéciaux simulant des têtes coupées et beaucoup de sang, ainsi que des scènes à caractère sexuel. L'orchestre dirigé par Giuseppe Sabbatini  assurait la musique. Deux ans plus tard, il met en scène l'opéra Lucia di Lammermoor au théâtre Carlo-Felice de Gênes avec la soprano Desirée Rancatore et Gianluca Terranova dans les rôles principaux. En 2017, il reprend la mise en scène de la tragédie Salomé d'Oscar Wilde à la basilique Saint-François d'Assise, dans le cadre du projet Hommage à l'Ombrie, dirigé par la cantatrice Laura Musella. En 2019 sort un documentaire sur la personnalité et l'œuvre de Dario Argento réalisé par le critique français Jean-Baptiste Thoret, intitulé Dario Argento : Soupirs dans un corridor lointain. Le film présente une réflexion sur le temps qui passe en présentant deux entretiens entre Thoret et Argento, le premier à Turin en 2000 et le second à Rome en 2019.

En 2021, il joue dans le film Vortex du cinéaste Gaspar Noé, un long métrage dramatique de style documentaire qui suit les derniers jours d'un couple de personnes âgées, interprété par Argento et Françoise Lebrun, l'actrice connue en France pour avoir été l'héroïne de La Maman et la Putain (1973) de Jean Eustache. Le fils qui rend visite au couple dans leur appartement est incarné par Alex Lutz. Argento a déclaré avoir beaucoup apprécié le tournage : « Gaspar m’a aisément convaincu d’accepter le rôle [...] Vortex est avant tout une histoire d’amour, entre homme et femme, entre parents et enfants. Je n’avais qu’à me laisser porter pendant le mois et demi qu’a duré le tournage. Je me suis mis au service de Gaspar ». Dans le film, le personnage joué par François Lebrun est malade. Dario Argento ajoute : « À mon âge, évidemment, le sujet me parle et cela d’autant plus que j’ai récemment perdu mon ex-compagne Daria Nicolodi, quelqu’un qui a beaucoup compté dans ma vie ». Le film a été présenté en avant-première au festival de Cannes 2021. La rédaction de Télérama est partagée sur le film, si Guillemette Odicino estime que « Vortex, sorte de testament avant l’heure, raconte, dans un vérisme cruel, à quel point le temps reste la drogue la plus toxique. Et son effet, irréversible », Louis Guichard juge que le film fait pâle figure à côté d'Amour (2012) de Michael Haneke sur un thème semblable, et que « Le principal geste artistique, dans Vortex, consiste donc à diviser sans cesse l’écran en deux : voilà bien la façon la plus démonstrative de signifier que la vieille dame et son mari sont coupés l’un de l’autre, bien que partageant jusqu’au bout leur déchéance ».

En novembre de la même année, le magazine NME annonce qu'Argento a terminé le tournage de son nouveau film, dix ans après la sortie de Dracula 3D. Intitulé Lunettes noires et mettant en vedette Ilenia Pastorelli et sa fille Asia, ce film raconte l'histoire d'une prostituée aveugle qui recueille un garçon asiatique afin d'affronter un criminel qui a affecté leurs deux vies dans le passé. Le réalisateur l'a défini comme « un giallo italien classique avec des touches d'épouvante » et comme une œuvre qui permet aux spectateurs de « pénétrer dans les quartiers, les maisons et les coutumes de la communauté chinoise de Rome, où ils ont créé un véritable Chinatown ». Lunettes noires a été distribué par la société française Wild Bunch, et a été présenté en avant-première à la Berlinale 2022. Alors que le duo de musique électronique Daft Punk avait exprimé son intérêt pour la composition de la bande originale du film, leur séparation soudaine en février 2021 a conduit Argento à confier la composition au musicien français Arnaud Rebotini, le fondateur du groupe Black Strobe. Le film est un des premiers à être commercialisé sur le marché des jetons non fongible : 588 exemplaires sont vendus en 48 heures.

Les critiques sont mitigées à bonnes. Guillaume Gas dans Abus de ciné y voit « le grand retour du maestro » : « Un vrai désir de cinéma, c’était tout ce qu’on espérait, et on l’a. La dernière fois que le grand Dario avait à ce point transpiré la grande forme, c’était avec Le Syndrome de Stendhal. Soit il y a très exactement vingt-cinq ans. Merci maestro, vous nous aviez tant manqué… ». Plusieurs critiques soulignent la tendresse qui se dégage de l'œuvre : « Le cœur du film ne réside donc pas dans une enquête tortueuse, d’ailleurs le script d’Argento, Franco Ferrini et Carlo Lucarelli n’en a ni les épaules ni la prétention, plutôt dans l’attachement entre Diana et Chin et leur solitude mutuelle à combler. Ce giallo est aussi plaisant car, quoique kitsch, il modernise bien certains aspects éculés du genre comme le sang irréaliste, les interminables courses-poursuites ou le travail du sexe qui n’est ici jamais une profession diabolisée ». D'autres y ont vu un film mou : d'après Alessandra Vignocchi « Un film qui ne semble pas se laisser influencer par l'époque actuelle, qui se réfugie dans la sécurité (désormais éventée) de ce qui est familier, qui n'essaie même pas de s'ouvrir à d'éventuelles révolutions, se limitant à refléter l'allure désormais fatiguée et déconcentrée de son auteur » ou d'après Raffaele Picchio « Ici, quelques éclairs de symbolisme fin commencent effectivement à émerger du scénario très mince, et même visuellement, il y a de tièdes références argentiennes (la mare de serpents, les animaux "enquêteurs"), mais on est plutôt énervé de voir comment tout reste si mou, mal réalisé et raconté, jamais aussi important qu'il aurait pu (et dû) l'être d'un point de vue symbolique et absolument insatisfaisant d'un point de vue visuel ». Néanmoins, ce film qui s'inscrit selon certains « dans l'ère post-#MeToo » « s’apprécie comme un opus d’apaisement et de réconciliation après plusieurs réalisations raillées. Les déçus de la dernière période apprécieront ce retour en forme notable, les exégètes pourront multiplier les visionnages d'un chant de cygne qui devraient logiquement les bouleverser ».

En 2014, il a lancé une campagne de financement participatif pour récolter des fonds pour son nouveau film, The Sandman, qui mettrait en scène le musicien de rock Iggy Pop. Le film raconte l'histoire de Nathan, un jeune homme qui assiste à la mort de sa mère aux mains d'un tueur en série connu sous le nom de The Sandman et qui, des années plus tard, doit l'affronter personnellement^,. Bien que la campagne ait réussi à réunir près de 200 000 dollars, le projet ne s'est pas concrétisé à ce jour.

En 2019, certains médias en Italie ont annoncé qu'Argento reviendrait à la télévision avec un projet intitulé Longinus. Bien qu'aucun autre détail n'ait été fourni à l'époque, le magazine Deadline Hollywood a rapporté en octobre de la même année qu'il s'agit d'une série qui promet « des mystères de meurtres, du suspense et des révélations inattendues, des éléments ésotériques et des énigmes anciennes ». En avril 2021, le journal La Nazione a annoncé que le tournage avait été retardé en raison de l'état d'urgence causé par la pandémie de Covid-19 en Italie.

Lors d'une conférence de presse au Festival du film de Sitges 2019, il a indiqué qu'il travaillait sur un autre projet de télévision produit entre l'Espagne et l'Italie, intitulé Belle bimbe addormentate. Il a révélé que la série sera composée de quatre épisodes de cinquante minutes chacun, et qu'il sera chargé de réaliser le premier d'entre eux. Il a également déclaré que le tournage aurait lieu en extérieur à Rome, Barcelone et d'autres villes espagnoles.

Argento a remporté le Globe d'or pour L'Oiseau au plumage de cristal dans la catégorie du meilleur premier film en 1970, et a été nommé aux prix Edgar-Allan-Poe un an plus tard dans la catégorie du meilleur film pour son travail sur le même long métrage. Au festival du film des îles Féroé de 1975, il a été nommé au Train d'or et, un an plus tard, il a remporté la médaille d'or du meilleur réalisateur au festival du film de Sitges, tous deux pour Les Frissons de l'angoisse^,. Au Festival international du film fantastique de Porto, il a été nommé au Prix international du film fantastique pour son travail sur les films Phenomena et Terreur à l'opéra, respectivement en 1986 et 1990. En 2006, il a été nommé au prix du meilleur téléfilm pour Vous aimez Hitchcock ? aux prix Sant Jordi du cinéma, et en 2013, il a été nommé au prix du public pour Dracula au Festival international du film de Chicago.

Il a également reçu des prix spéciaux pour sa carrière artistique lors d'événements tels que les prix Flaiano et CinEuphoria, ainsi qu'aux festivals de Porto, Locarno, Amsterdam et Manille. En 1985, le Fantafestival lui a décerné le prix spécial FantaItaly, tandis qu'en 1999, il a reçu le prix honorifique Máquina del Tiempo au festival de Sitges et, un an plus tard, le prix Maverick au festival Cinequest de San José. Lors du gala du festival du film de Capri, il a reçu le prix Capri Legend en 2010 et en 2014, il a reçu le prix Maestro del Cine Fantástico au festival Nocturna de Madrid. Dario Argento a eu le droit à sa plaque d'honneur sur le Mur des cinéastes lors de son passage à l'Institut Lumière de Lyon pour sa venue en octobre 2010 et octobre 2018. Lors de ce passage, le film Suspiria en version aux couleurs restaurées a été projeté en sa présence. En 2019, il a reçu le prix spécial pour sa carrière artistique lors des David di Donatello.